© 2026 Maurizio Duka Moroni - Audiosfera exMachina Records

Guida all’ascolto di “Truth Isn’t Out There”:

"Truth Isn't Out There" nasce dal bisogno di dire basta: la verità "là fuori" non esiste più, ci hanno rifilato solo un sacco di balle e dubbi creati a tavolino. 

    Ormai i giornali e la TV non informano più nessuno, pensano solo ai soldi e alla politica, e usano le notizie per controllarci. Per non parlare dei social, che sono diventati un'arena tossica piena di gente che giudica a caso.

    Ora ci si mette pure l'Intelligenza Artificiale, che rende facilissimo manipolare le cose e ci sta facendo diventare pigri persino a pensare. 

    Ci prendiamo tutto pronto senza farci mezza domanda. 

    Alla fine, oggi cercare la verità è quasi un atto di ribellione che ti fa sentire solo. La mia musica serve proprio a questo: a spegnere tutto questo casino fuori e a farci tornare ad ascoltare la nostra testa.

01 The Truth Wasn't Out There, Orfeo: 

Il brano di apertura dell’album si intitola 'The Truth Wasn't Out There, Orfeo'. Nasce da una riflessione profonda e amara sull'inutilità della guerra, uno strumento tragico e logoro che l'umanità continua ostinatamente a usare.

    È un pezzo a cui tengo in modo viscerale. L'ho dedicato alla memoria di mio zio, Orfeo Moroni, Tenente del 124º Reggimento Fanteria e Medaglia d’Argento al Valor Militare, caduto nella Grande Guerra nell'agosto del 1916. Centodieci anni fa, Orfeo partì volontario. Non cercava solo la gloria o il dovere verso la patria: voleva dimostrare ai genitori della donna che amava di essere degno di lei, sfidando il loro no al matrimonio.

    In questa vicenda c'è un'incredibile e drammatica ironia con il mito classico di Orfeo, che scende negli Inferi per salvare la sua amata Euridice guidato dall'amore supremo. Mio zio Orfeo è sceso nell'inferno reale della Prima Guerra Mondiale spinto dallo stesso identico amore. Ma, a differenza del mito, per lui la verità e la salvezza non erano là sotto.

    Orfeo da quel fronte non è mai tornato. È caduto sul Carso a Doberdò guidando i suoi uomini per l'ennesima e tragica carica dalla trincea, ferito dal fuoco di una mitragliatrice austriaca e morto dissanguato. E lei, travolta da un dolore insanabile una volta ricevuta la notizia, scelse di lasciarsi morire poco dopo. Cose d'altri tempi, verrebbe da dire: sì, cose d’altri tempi.

    Con la mia musica ho voluto dare voce al silenzio calato su quel doppio amore — per lei e per il Paese. Ho sentito proprio nel mio intimo la necessità di raccontare questa storia, per evitare che la memoria di Orfeo e il suo sentimento venissero inghiottiti dal rumore della storia.

    Musicalmente, ho provato a dipingere l'atmosfera di quei giorni. Ho cercato di rievocare ciò che immagino abbia provato Orfeo: l'attesa snervante nella trincea, ora dopo ora, fino al momento di guidare i suoi uomini fuori dal riparo verso l'assalto, sapendo che poteva essere l'ultimo. E insieme alla paura, il pensiero costante rivolto alla sua patria e alla sua donna.

    Il pezzo parte sottovoce, quasi come un respiro o un sussurro, per poi aprirsi in un tema lirico e profondo. È un contrasto cercato con forza, per far risaltare il divario tra la purezza dell'amore e dell'ideale e la brutalità insensata della guerra.

    Vi confesso che è un brano che mi commuove ogni volta che lo ascolto. Spero con tutto il cuore che riesca a toccare anche le vostre corde più intime.

02 Last Grey Rainbow Over Thessaloniki: 

Voglio raccontarvi come è nato uno dei brani che potremmo definire più “Easy Listening” di quest’album, e cioè: "Last Grey Rainbow Over Thessaloniki".

    Tutto è iniziato da una sorta di sfida "matematica" che ho lanciato all'Intelligenza Artificiale. La richiesta era semplice quanto bizzarra: generare un titolo per il brano unendo un aggettivo generico, un colore, un sostantivo e una località europea. Quando è venuto fuori questo "ultimo arcobaleno grigio su Salonicco", ho subito capito che la sfida si faceva interessante. Ho deciso così di musicare questa suggestione irreale utilizzando la logica stessa dell'IA: ho lavorato come un raccoglitore di frammenti, attingendo a piene mani da quel "brodo primordiale" di stili, informazioni e generi che popolano il mio mondo musicale.

    Proprio per questo motivo, il brano si presenta come un vero e proprio mosaico sonoro. Ci troverete dentro elementi rock, disco, passaggi orchestrali, incursioni elettroniche, venature blues e momenti ambient, tutti mescolati insieme in un tentativo quasi spericolato di rendere il pezzo organico e coeso. È stata una ricerca costante di equilibrio tra mondi che, sulla carta, non avrebbero nulla a che spartire tra loro.

  La cosa più sorprendente, però, è che l'esperimento sembra aver funzionato davvero. Il risultato finale è un brano che, a detta di chi lo ha già ascoltato in anteprima, scorre con una fluidità inaspettata e risulta assolutamente godibile, appunto “Easy Listening”, anche se vi devo confessare che questo è un termine che non mi piace nella maniera più assoluta… Forse il segreto sta proprio qui: nonostante il punto di partenza sia stato un suggerimento di un algoritmo, io non sono un’IA. Ci ho messo quella sensibilità, quel gusto, tanta esperienza sul campo e quel briciolo di anima necessari per unire insieme le parti e trasformare il caos dell'informazione diffusa in un brano musicale vero e proprio

    Spero che questo viaggio nel mio personale “ultimo arcobaleno grigio" possa incuriosirvi e ovviamente piacervi (e magari sorprendervi tanto quanto ha sorpreso me durante la sua creazione).

03 I Wish: 

“I Wish” è un brano che nasce da uno stato d'animo profondo, un sentimento che credo molti di voi condivideranno.

    Ogni giorno, sfogliando i giornali o seguendo le notizie dal mondo, ci ritroviamo a essere continuamente bombardati da un flusso ininterrotto di eventi negativi, tensioni e drammi che finiscono inevitabilmente per pesare sul cuore. 

    Durante la composizione di questo pezzo, ho avvertito l'esigenza quasi fisica di reagire, di oppormi con la musica a tutta questa negatività strisciante. Ho iniziato così a immaginare un'alternativa: tutte le cose che desidererei accadessero al posto di quelle brutte, a come il nostro quotidiano e il mondo intero potrebbero trasformarsi se solo lasciassimo più spazio alla bellezza, all'empatia e all'ascolto.

    Dal punto di vista musicale, “I Wish” si presenta inizialmente come un brano molto dolce e delicato, un'intima riflessione al pianoforte. Nell'arrangiamento, tuttavia, ho voluto inserire un elemento sonoro molto particolare: delle voci ritmate che scorrono sullo sfondo. 

    Per me rappresentano la voce dell'inconscio, quel brusio di idee, desideri e ricordi felici che affiorano spontaneamente da dentro di noi, quasi a volerci ricordare, anche nei momenti più bui, che la positività non si è mai spenta del tutto.

    E poi si arriva al finale, dove il brano compie la sua vera metamorfosi: la struttura musicale si apre all'improvviso in una solare esplosione di speranza ed energia pura. È un momento quasi liberatorio, catartico, come se attraverso le note volessi spingere me stesso — e chiunque sia all'ascolto — a scegliere la luce a tutti i costi, a rifiutare la rassegnazione e a continuare a credere nel futuro.

    Spero davvero che “I Wish” possa regalarvi non solo una parentesi di serenità, ma anche una vera sferzata di fiducia e di calore..

04 Your F*ing Fakes 4 Real: 

Ecco un brano dal titolo decisamente diretto, sfrontato e provocatorio: “Your F*ing Fakes 4 Real”.

    Questo pezzo nasce da una sensazione di viscerale, totale e non più tollerabile insofferenza. Sono ormai intimamente convinto che siamo arrivati a un vero e proprio livello di emergenza sociale e culturale: la quantità di cazzate, falsità e subdole manipolazioni che ci vengono spacciate quotidianamente per verità indiscutibili ha superato ogni limite di guardia. 

    È una gigantesca montagna di spazzatura mediatica ed emotiva che fa sistematicamente leva sulle fragilità e sulle paure della gente; genera soltanto una grande, tossica confusione e ci sta lentamente facendo perdere la bussola di ciò che è autentico e ciò che è finzione. Di fronte a questo spettacolo grottesco e alienante, ho sentito la necessità di reagire nell'unico modo che conosco: con la mia musica, scagliandomi senza filtri contro questa immensa fiera del falso.

    Dal punto di vista musicale, credo che il brano possieda un'energia travolgente, una spinta ritmica potente e viscerale che ti cattura e ti trascina via fin dalla prima battuta. 

    Ma il momento a cui sono in assoluto più legato è la sezione finale: la traccia cambia pelle, muta registro e si apre in un'atmosfera al tempo stesso epica, solenne e profondamente lirica. È un climax emotivo che ho voluto intenzionalmente dilatare, lasciandolo respirare e far durare a lungo, forse persino più di quanto "servirebbe" secondo le classiche e non scritte regole di composizione. 

    Ma voglio essere del tutto sincero con voi: ogni tanto godo anch'io a "suonarmi un po' addosso", a perdermi completamente dentro alle mie stesse note e a lasciar scorrere la musica finché ne ho davvero voglia, senza schemi o limiti di tempo.

    Spero davvero che tutta questa carica, questa sana rabbia e questa liberatoria energia positiva vi arrivino dritto allo stomaco, forti e chiare!

05 West-Made East:

Il concetto alla base di questa traccia nasce da una riflessione su quello che mi pare un grande paradosso del nostro tempo: la profonda occidentalizzazione dell'Est. 

    Per decenni siamo cresciuti con una convinzione che ci sembrava incrollabile, una sorta di 'verità appurata': che i paesi dell'Est asiatico fossero solo il luogo della produzione a basso costo, la patria dei prodotti commerciali che imitavano quelli occidentali. 

    Oggi quella presunta verità si è in realtà ribaltata. Non parliamo più soltanto di merci o fabbriche, ma di stile di vita: in Oriente si rincorrono e si assimilano sempre più la mentalità, i modelli di consumo e il modo di vivere dell'Occidente. 

    Ed è proprio per questo che il brano trova il suo senso profondo all'interno di 'Truth Isn’t Out There': è la dimostrazione di come anche le certezze geografiche e culturali più radicate finiscano per crollare di fronte alla realtà.

    Dal punto di vista musicale, ho voluto raccontare questo cortocircuito culturale creando un connubio tra mondi apparentemente distanti. 

    La traccia è ricca di sonorità e strumenti tradizionali orientali, ma poggia su una dorsale rigorosamente europea: ne è un esempio perfetto la scelta del pianoforte, che guida e sostiene la melodia principale.

    Credo che il dialogo tra questi strumenti sia riuscito in modo molto naturale, dando vita a un'atmosfera seriosa, quasi melanconica, che rispecchia il peso e la profondità di questo cambiamento.

06 Truth, Under Control: 

Il motivo alla base della realizzazione di questo brano è un’amara considerazione ed un vero e proprio grido d'allarme. 

    Volevo accendere un faro sul controllo sistematico che organizzazioni ed entità sovranazionali esercitano sull'informazione e sulle notizie che alcuni media consenzienti divulgano ogni giorno. È una manipolazione orchestrata dall'alto per indirizzare le economie, la finanza e i mercati globali, spesso a discapito della sicurezza — non solo economica — di popolazioni intere che rimangono del tutto ignare di quello che succede dietro le quinte.

    Dal punto di vista musicale, è un brano decisamente tirato ed energico, sulla falsa riga dell'altra traccia presente nell'album 'Your F*ing Fakes 4 Real'. La scelta delle sonorità e la loro esecuzione strumentale nell'arrangiamento hanno un tono piuttosto epico. 

    Un paio di considerazioni tecniche: attraverso la ritmica incalzante ho     voluto ricreare quasi l'illusione sonora del movimento meccanico e incessante delle rotative di stampa: la macchina dei giornali che lavora a pieno ritmo per stampare e 'divulgare' il prima possibile notizie modellate e pilotate da interessi economici superiori.

    E poi mi piace sottolineare l'assolo di synth finale, che emerge quasi come una voce solitaria capace di staccarsi da questo marasma di notizie elaborate ad arte: un grido di denuncia che cerca di rompere il muro del suono e di far sentire la verità.

07 You Got Me!:

 “You Got Me!” è con ogni probabilità il brano più solare, allegro e spensierato di tutto il disco.

L'intero pezzo è stato concepito come una sorta di ironico divertissement incentrato su una dinamica universale: l'idea che, prima o poi, capita davvero a tutti noi di "cascarci". Di credere con ingenuità alla "cazzata" o alla fake news di turno propinata da qualcuno, per poi rimanere letteralmente a bocca aperta quando la realtà viene a galla e si rivela per ciò che è sempre stata: una balla colossale costruita a tavolino. 

    Ora, se tutto questo avviene in un contesto informale tra amici per farsi due risate in compagnia va benissimo, fa parte del gioco. Il problema vero ed evidente sorge quando la medesima dinamica si trasferisce in ambiti ben più complessi e delicati della vita quotidiana o della società, dove la disinformazione e la credulità possono generare danni e conseguenze estremamente reali.

    Dal punto di vista musicale e strutturale, si tratta di uno dei rarissimi brani di tutta la mia produzione in cui compare una sezione corale che canta un testo vero e proprio. 

    Tuttavia, la voce non è stata pensata nel senso tradizionalmente solistico o narrativo: ho voluto trattare i cori quasi come un ulteriore strumento, un colore timbrico pensato per arricchire l'intreccio dell'arrangiamento e dare un sapore ancora più vibrante all'insieme. 

    L'impianto generale attinge a piene mani dal mondo del Rhythm ’n’ Blues, forte di una combinazione timbrica classica ma sempre efficace: un avvolgente organo Hammond, un Clavinet incisivo, una chitarra ritmica schiettamente funky e una sezione fiati compatta. 

    Un pezzo estremamente divertente da suonare e, al tempo stesso, fresco e decisamente accessibile all'ascolto.

08 The Weight of My Patience: 

"The Weight of My Patience" nasce da una sensazione di stanchezza sottile ma profonda. Quell'esaurimento mentale — e a volte anche fisico — che deriva dalla sensazione di non avere più uno spazio interiore che sia davvero solo nostro.

    Viviamo perennemente connessi: tra WhatsApp, Messenger, Telegram e mille altri artifizi digitali, siamo sempre reperibili per il lavoro, per la famiglia, per il flusso ininterrotto delle notizie. Sulla carta siamo vicini a tutto, ma nella realtà stiamo perdendo il contatto con il "nostro" mondo. 

    È una privazione lenta, impercettibile, che agisce quasi come la tortura della goccia cinese: giorno dopo giorno ci prosciuga la serenità e consuma la nostra tranquillità, costringendoci a "fare buon viso a cattivo gioco" finché la pazienza smette di essere una virtù e diventa un peso da sopportare.

    Musicalmente, il pezzo ha una veste profondamente lirica, avvolta da un velo di malinconia e da una sorta di amara rassegnazione. 

    Per dare voce a tutto questo, l'arrangiamento si fonda su due sonorità chiave: la voce solista e il violoncello. È proprio nel loro dialogo timbrico — caldo, intimo e straziante al tempo stesso — che ho trovato l'espressione migliore per descrivere quel senso di solitudine e rassegnata stanchezza che le parole, da sole, non riescono a raccontare.

Potrei definirlo quasi il ritratto sonoro di chi si ferma un istante, si guarda attorno e misura finalmente tutto il peso della propria pazienza.

09 How Many Seconds To Midnight?: 

Ecco come nasce “How Many Seconds To Midnight?”.

    Il titolo non è casuale: prende il nome dal Doomsday Clock, il famoso Orologio dell'Apocalisse che misura simbolicamente quanti secondi ci separano dalla fine del mondo. E oggi, mai come ora, la lancetta è così vicina alla mezzanotte.

    Per raccontare questa tensione ho voluto creare un'atmosfera quasi cinematografica, a tratti cruda. Il pezzo si apre con delle intercettazioni radio fittizie — messaggi in frequenza tra soldati russi e soldati americani — per farci percepire fin da subito quell'angosciante sensazione d'incertezza che siamo costretti a subire ogni giorno, completamente impotenti. 

    Poi parte un ritmo incalzante, un vero e proprio conto alla rovescia, guidato però da una linea melodica sottolineata dal violoncello, profondamente malinconica e triste, un tema dal sapore puramente europeo. Volevo questo contrasto: l'urgenza militare da un lato e la fragilità dell'anima dall'altro.

    L'uso che ho fatto nell'arrangiamento delle voci ritmate vuole proprio alludere a come l'intera situazione venga gestita con quella cadenza rigida, fredda e marziale tipica dell'ambiente militare, una logica che finisce inevitabilmente per portare alla disumanizzazione.

    Sul finale, dopo l'interruzione dell'ultima sentenza via radio, la musica sembra tornare indietro nel tempo: sentiamo un'orchestra che riprende quella stessa melodia, ma come se la stessimo ascoltando da una vecchia radio a valvole, disturbata e lontana... finché la trasmissione non si interrompe brutalmente. Resta solo il fruscio statico, il vuoto.

    “How Many Seconds To Midnight?” non è solo un brano, è una fotografia sonora di quello che stiamo, più o meno consapevolmente, vivendo. È il mio modo di trasformare l'ansia del presente in musica, sperando che quel fruscio finale rimanga solo un avvertimento e non una profezia.

10 Just Close Your Eyes And Count To Three: 

Come ormai sa chi mi segue da un pò di tempo, amo inserire nei miei lavori almeno un brano che si stacchi dal resto per esplorare sonorità e arrangiamenti più etnici, caldi e folkloristici.

    In questo caso, ho voluto creare una vera e propria oasi di 'decompressione finale' per l'intero album.

    Ho immaginato quel momento della giornata in cui, dopo essere stati bombardati da cattive notizie, cazzate varie, impegni e dal caos quotidiano, ci si rifugia in un piccolo live club per ritrovare un po' di pace insieme agli amici. Per dare esattamente questa sensazione, ho ricreato da zero in studio un'atmosfera acustica da club dal vivo, curando ogni singolo dettaglio acustico, compreso il calore del pubblico che batte le mani a tempo sulle battute.

    L'impronta del brano è marcatamente latino-americana, dominata dalla morbidezza e dall'eleganza delle percussioni. Non aspettatevi però un ritmo sudamericano sfrenato o travolgente: i bpm sono volutamente accomodanti, misurati, perfetti per rilassarsi, staccare la spina e magari continuare a battere il piedino a tempo senza frenesia.

    Ma la vera chicca a cui tengo tantissimo è la 'presenza' del musical conductor. Da bambino avevo una enorme passione per i 45 giri di Pérez Prado: li mettevo sul giradischi portatile e li consumavo a forza di riascoltarli, affascinato da come dirigeva la sua orchestra, dai suoi famosi stacchi ritmici e da quelle sue inconfondibili sottolineature vocali. 

    A un certo punto della composizione del mio brano mi sono detto: perché non facciamo dirigere questa mia band virtuale proprio al mio idolo d'infanzia?

Detto, fatto. 

    Con un pizzico di 'magia elettronica' abbiamo messo proprio la voce di Pérez Prado alla guida dei musicisti. Inserire le sue proverbiali chiamate e i suoi stacchi non è stata solo una scelta stilistica, ma un omaggio affettuoso che porta con sé un tocco umano e nostalgico a cui tengo in modo speciale.

    Sul finale della traccia, la voce guida - che chissà, potrebbe essere proprio quella di Pérez - ci lascia con un invito semplice e profondo: di fronte a tutto il rumore e alla frenesia che ci circonda, la cosa migliore da fare è fermarsi, chiudere gli occhi e contare fino a tre prima di ripartire.

    Spero che questo viaggio vi regali un momento di pura serenità.